Le Musée national d'art moderne et contemporain de Corée (MMCA) à Séoul consacre une exposition d'envergure à l'artiste Do Ho Suh, réunissant plus de 500 dessins, sculptures, vidéos et installations couvrant quatre décennies de création. Visible jusqu'au 9 février 2027, la rétrospective retrace un parcours artistique façonné par les questions du foyer, de la migration, de la mémoire et de l'identité, depuis les premières expérimentations jusqu'aux grandes reconstitutions en tissu et aux œuvres récentes.
L'exposition, qui investit les galeries 3, 4 et 5 du musée ainsi que les espaces communs, le MMCA Studio et le Seoul Box, rend visible l'évolution de la pratique de l'artiste en faisant dialoguer des œuvres de différentes périodes. Les premières pièces et les créations récentes, les dessins et les installations, les intérieurs domestiques et les formes corporelles se répondent dans un parcours spatial continu, permettant de saisir comment Suh a progressivement transformé ses expériences personnelles de déplacement en une investigation plus large sur la manière dont les individus habitent et se souviennent des espaces.
Le parcours débute avant la carrière professionnelle de l'artiste avec une section intitulée « Seed Bank », installée dans le couloir menant aux galeries. Elle rassemble des dessins et sculptures d'enfance, notamment des sculptures en bois de créatures marines réalisées dans la cour du hanok où Suh a grandi, ainsi que son projet de fin d'études universitaires, ses premières installations et des expérimentations menées avant son départ pour les États-Unis. Ces œuvres révèlent que l'intérêt de Suh pour la frontière entre l'objet et l'espace précède l'architecture en tissu pour laquelle il est le plus connu, ses premières expériences oscillant déjà entre deux et trois dimensions.
À l'entrée de la galerie 3, l'œuvre Small Gate (2017) reconstruit le portail du hanok de Seongbuk-dong où l'artiste a vécu. Fonctionnant littéralement comme une entrée, elle établit la préoccupation centrale de l'exposition : le mouvement entre les lieux et les époques. Suivent environ 200 dessins, dont ceux réalisés en collaboration avec l'atelier d'estampes et de papier STPI de Singapour. Depuis 2009, l'artiste y développe une technique utilisant du tissu de gélatine et du papier fait main, intégrant du fil dans les fibres du papier pour créer des lignes dotées d'une profondeur matérielle qui dépasse la surface plane conventionnelle.
La galerie 4 est consacrée à Rubbing/Loving, un ensemble d'œuvres qui transforme l'acte d'enregistrer l'architecture en une forme de remémoration. Suh presse du Hanji et du papier contre les surfaces des lieux où il a vécu ou qui sont en voie de disparition, puis les frotte avec du graphite et des crayons de couleur pour en capter les traces physiques. Le titre provient de la ressemblance phonétique entre les mots coréens pour « frottement » et « amour », reliant l'acte physique de prise d'empreinte à un attachement émotionnel au lieu. Rubbing/Loving: Seoul Home (2013-2022), que Suh décrit comme un autoportrait de lui-même et de son père, intègre la mémoire familiale à ce processus, tandis que Rubbing/Loving: Company Housing of Gwangju Theater (2012) étend la méthode au-delà de l'individu, créé collectivement avec une équipe qui a tracé et frotté les surfaces du bâtiment pour constituer une archive d'une histoire collective en voie de disparition.
La galerie 5 rassemble plusieurs œuvres emblématiques de l'exploration de l'espace domestique par Suh. Perfect Home: London, Horsham, New York, Berlin, Providence, Seoul (2024) reconstruit son appartement actuel à Londres en incorporant des détails architecturaux des nombreux foyers qu'il a habités, comme des poignées de porte, des prises et des interrupteurs. Le Bridge Project, commencé en 1999 comme une connexion imaginaire entre Séoul et New York puis étendu à Londres, développé avec des architectes, philosophes, anthropologues et ingénieurs, déplace la question du foyer vers des enjeux plus larges de connexion globale, de coexistence, de société et d'environnement. Dans la même galerie, Who Am We? (2000) remplit un espace de 15 mètres de haut avec de minuscules portraits issus d'annuaires scolaires, formant un motif à distance et des identités individuelles de près, tandis que Floor (1997-2000) place une plateforme transparente sur d'innombrables figures miniatures.
L'exposition culmine à l'extérieur de la galerie 5 avec Nest/s (2024), une installation de 22 mètres de long reliant des formes architecturales issues des résidences et studios actuels et anciens de l'artiste à Séoul, New York, Londres, Berlin et d'autres villes. L'œuvre crée une séquence continue d'espaces qui ne correspond à aucun bâtiment réel unique, joignant différents lieux en un nouvel environnement architectural qui n'existe nulle part ailleurs que dans l'exposition, que les visiteurs peuvent physiquement traverser.